MUSICA ELECTRONICA & RAVES

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IX ELECTRICO
kin.bit




Hector Valdez es un vj de formación grupal y autodidacta, fundador del colectivo multimedia Kin.Bit, colaborador de tortuga.com.

Sus imagenes son diseñadas para transformar lo inconciente en conciente y activar un sistema receptivo del tiempo que encante la atemporalida.

Su videos han vestido presentaciones de: Total eclipse, Kox-box, GMS, Dimitri Nakov o el colectivo Tulan por mesionar solo algunos. Actualmente se encuentra preparando un proyecto enteogenico audiovisualjunto con Katomi en algún lugar de wirikuta.




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Hace poco más de un año comenzó a hacer ruido en León, Gto. un proyecto sonoro con algunos tintes experimentales dirigido hacia el dancefloor. En una velada un tanto extraña en la capital del Bajío, después de bailar más de algun track tuve oportunidad de conocer a Edgar Medina, creador de Transistor. Semanas más tarde llegó a mis sentidos un demo bastante experimental que poco o nada tenía que ver con el acto en vivo que había visto. A partir de entonces ha sido una grata sorpresa ver el crecimiento de este creativo a través de Transistor, elaborando día con día bases minimal que lo mismo se funcionan con el ambient que con el techno.

En Transistor hay ritmo, pero también hay deconstrucciones que sanan en nuevas estructuras. Transistor es una búsqueda estética sonora que pronto dará bastante de qué hablar a nivel discográfico. Esta es una charla con Edgar medina aka Transistor.

¿Qué encuentras atractivo en el minimalismo?

El minimalismo es un reto en general, en el que debes realizar algo estético y complejo con pocos elementos y sin caer en la monotonía, para mi el minimalismo es una forma de individualidad en cierta forma, es la sobriedad y eso básicamente representa mi personalidad, tal vez por ese motivo lo encuentro atractivo.

¿El minimalismo es la vía de expresión de Transistor?

Básicamente si lo es, aunque algunos tracks yo no los consideraría minimalistas por su carga de elementos; siempre he tratado de ser ecléctico hasta cierto punto, podríamos decir que el minimalismo es la base del proyecto, pero sin cerrar la puerta a la experimentación hacia otros géneros.

¿A partir de cuando comenzaste a trabajar en el proyecto y como ha sido tu crecimiento compositivo?

El proyecto inicia a finales del 2000, siempre he estado involucrado en la música, y en específico la electrónica la he escuchado desde niño prácticamente, pero es cuando conocí a personas como Fernando Corona que fue que me di cuenta que es posible desarrollar tus propios ideas en cuanto a lo compositivo sin la necesidad de involucrarte con otras personas. Algunas veces el trabajar en conjunto trae ciertas dificultades porque cada persona tiene un sentir o una idea diferente a como debe sonar tal o cual cosa.

Creo que si he tenido crecimiento, actualmente cuando escucho mis primeros tracks me parecen bastante regulares, y considero que es parte de un proceso por el que cualquier persona atraviesa, además la retroalimentación de la gente que me ha escuchado desde el inicio me hace darme cuenta que si han existido avances en cuanto a la música.

¿Ha sido fácil llevar el proyecto en vivo?

Depende del foro en el que se presente, cuando he llevado el proyecto a clubs en los cuales la música se enfoca al dancefloor la gente a veces no asimila los ritmos tan fácil como el house, pero afortunadamente la gente en León empieza a existir cierta apertura a escuchar géneros experimentales. Creo que mi música se puede adaptar fácilmente a distintos tipos de foros, ya que me he presentado en bares completamente comerciales hasta en galerías y museos y en ambos casos ha existido buena respuesta por parte de los escuchas. Creo que deje atrás la etapa en la que me portaba complaciente con el auditorio, actualmente solo demuestro mi trabajo esperando que a la gente le agrade.

¿Hacía donde se dirige tu trabajo actualmente?

En estas fechas participo para en la siguiente compilación Mínimas Texturas de Discos Konfort y estaré presentándome en el D.F este 17 de mayo en el ExTeresa para la presentación del disco, también estoy trabajando junto con Neztic y Coaxial (dos proyectos de León) en la formación de un colectivo y un pequeño sello con sede en la Ciudad de León que lleva por nombre Zona Centro, además voy colaborar con varios amigos de Guadalajara en lo que será la primera compilación de Abolipop Records. También planeo sacar un CD independiente para el próximo año.


¿Cómo ves el futuro de la música electrónica alternativa en México?

A pesar de los comentarios negativos que se escuchan en todas partes sobre el posicionamiento de estos géneros en el país, yo creo que más adelante existirá un amplio público nacional en cuanto géneros electrónicos alternativos, cada vez se nota más interés por escuchar cosas distintas al psychedelic o al progressive; tarde o temprano la gente se cansa de lo mismo y empieza a buscar otras opciones, como ejemplo esta el d&b que a pesar de ser un genero popular en otros países aquí en México comienza a tomar gran fuerza. En cuanto a productores no podemos quejarnos, existen grandes proyectos que ya suenan a nivel internacional y que no precisamente son géneros comerciales como Alvaro Ruiz, Murcof, Fax, Panoptica. Le veo futuro a la escena electrónica nacional, creo que solo es cuestión de tiempo.


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FESTIVAL DE ARTE AUDIOVISUAL
Chroma


"Estamos en todas partes sin salir de nuestro hogar.
Charlamos en grupo estando solos.
Conocemos el mundo a través de una ventana.
Nos conocemos sin vernos.
Intimamos estando lejos..."

Así inicia la introducción en el folleto de lo que fue Chroma Festival de Arte Audiovisual, reflexiones de una generación que ha logrado desprenderse del concepto local del arte y ahn optado por medios eelectrónicos para expresarse, medios contemporaneos que ya son por demas comunes, arte en la era digital.

El Festival Chroma llega a su tercer año de existencia a cargo de las realizadoras Ana de la Rosa y Lorena Rosette Riestra. Desde el inicio se ha preocupado por dar un espacio para promover y fomentar el arte audiovisual, que al igual que la tecnología en otros campos, sigue evolucionando, atrae a más público que esta en busca de propuestas frescas. Dando cabida tanto a producciones a nivel internacinoal, como al talento local.

Dentro del programa de proyecciones este año, se presentó en varias cedes de la ciudad, trabajos de Exchange Internacional, el Festival Transmediale de Alemania, OVNI y Zemos 98 de España, Perte de Signal de Canadá, Cortos mexicanos, Galatea Tijuana, artistas independientes y las instituciones locales, que fueron: las unidades de producción audiovisual de la UdeG y el ITESO, alumnos del Centro de Arte Audiovisual y de la licenciatura de la UdeG

Independientemente de la proyección se contó con otros eventos:, acción plástica audiovisual de inauguración, video instalaciones en Casa Vallarta, un programa radiofónico en radioUniversidad (104.3 fm), una exposición fotográfica, un espectáculo multimedia como clausura, la presentación de la una revista electrónica y de un libro en el Ex-Convento del Carmen.

Aquí una breve revisión de los eventos multimedia:



Réquiem por el onceavo día.


El domingo 11 por la noche la inauguración del festival corrió a cargo de la artista Lucia Maya y su acción plástica multimedia, titulada Réquiem por el onceavo día, cuya temática se centro en las muertes provocadas por los ataques terroristas en NY y Washington el 11 de Septiembre, y que tuvo como marco la fuente de la Plaza Fundadores. Un acto que conjugo danza, música, iluminación y coros, donde la destrucción de una gran estrella blanca y el ascenso de una media luna fueron los actos culminantes, metáfora perfecta aludiendo los hechos de septiembre. El trabajo plástico y audiovisual ideado por Lucia Maya con la colaboración de Sharon Toribio y Gil Solano, se enriqueció gracias a la participación de la voz de Astrid Lomas, representando la danza Ana Jurado y Paloma Martínez, y música a cargo de Zanate y Asociados, Oncello y Huehuecuícatl.



La disección de una mujer ahogada.


En Casa Vallarta se presentaron dos video instalaciones, en la sala Manuel Álvarez Bravo II que e encontraba dividida en dos secciones una para cada instalación.

El artista Gustavo Galuppo presentó la primera de ellas, que consistía en videos cotidianos, desde viajes a videos familiares proyectados en dos televisores y una pantalla, representando recuerdos e imágenes vagos del artista, entremezclados con imagenes de un cuerpo femenino: Helena H., el temor a la perdida, al fracaso, y el sacrificio que presuntamente Helena H, habrá vivido en vano, y que nos hace reflexionar sobre lo que sucede a una desaparcicón, el olvido.

Portaobjetos.


En esta video instalación los artistas Rita Basulto y Juan José Medina buscan explorar los tres aspectos que conforman la identidad del individuo; el ciclo vital de la vida y la muerte, un ciclo intimamente ligado al tiempo; otro es el de las ideas y sensaciones que nos dan la base para crearnos una percepción propia tanto externa como interna; el último que es el mundo del subconsciente, .

Para desarrollarlo hicieron uso de monitores donde se podían observar videos realizados con materiales, figuras y maquetas, que se encontraban en contenedores de un mismo tamaño aproximado al de los monitores, todo esto alineado en tres de las paredes de salón, puediendo ser perfectamente observadas en su conjunto desde la cuarta pared, o en su defecto, parte por parte..



Evolución.

El viernes 16 se presento un espectáculo multimedia de Víctor González, en las instalaciones del Club Sheik, donde el video, la música electrónica y acústica crearon la atmósfera donde fue sellada esta edición del festival.

En el marco de este evento se premio a los trabajos que seleccionó la audiencia según una encuesta realizada por el Centro de Estudios de Opinión de la UdeG, entre los que se encontraron el cortometraje de René Castillo "Hasta los huesos", los trbajos ganadores fueron premiados con obra plástica de los artistas Juan Carlos Macías, Sergio Garval y Antonio Ramírez.

Al terminar la premiación se dio paso al evento multimedia bastante bien estructurado donde el VJ creo el concepto visual ad hoc para un intro de música electrónica ambiental, que al estallar en un beat psicodélico 4/4 fue cediendo poco a poco a los sonidos orgánicos del ensamble percusivo Denezburia. La belleza y la potencia de lo efímero.


La danza abstracta de la concurrencia se encendió cuando el espíritu del fuego hizo su aparición girando en torno de dos cuerpos femeninos, que hipnóticamente manejaban la luz, dandole sentido a lo de "firedancer". Después un breve receso donde la percusión dio paso a la exquisitez sonora de la flauta bajo el dominio de Jorge Cevallos.

Para cerrar el evento dio inicio una sesión a cargo de los Dj's Orko, Billy y Little Big, que giraron y programaron sets de psychodelic trance...



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LA DISCO
Y SU MÚSICA»

texto: Jaime Almeida/DJ CONCEPT



Estamos acostumbrados a la existencia de las dicoteques, ahora nombrados antros. Es difícil imaginar el momento en el que por el mundo empezaron a aparecer estos lugares para bailar en los que no había orquesta ni conjunto, simplemente se tocaban discos. No había director de orquesta y en su lugar estaba la estrella del lugar: el Disk Jockey.

LOS INICIOS DE LA DISCO MUSIC

Allá, a principios de los setenta, los adultos consideraban absurdo ir a bailar a lugares donde no habría música en vivo. La música sería de puros acetatos ¿Qué caso tendría salir a un sitio así, sería lo mismo que quedarse en casa y escuchar ahí los discos? Más aún, estaban acostumbrados a disfrutar del espectáculo visual que ofrecían los músicos; así, los que no estaban bailando, estaban presenciando el ‘concierto’ de la orquesta, un concepto un tanto ajeno el día de hoy.

La discoteque nacía bajo las nuevas circunstancias sociales por las que atravesaba una juventud que no perteneció a los turbulentos años setenta. Estaba muy ajena a los tiempos de la Segunda Guerra Mundial y su música era “de los Beatles para acá”.

Una época que, habiendo visto el clímax de la psicodelia, empezaba a explorar los caminos de una nueva elegancia en el vestir. La dicoteque tuvo su propia corriente musical, que ahora llamamos genéricamente ‘música disco’ , pero en aquellos años se le distinguía distintas influencias, orígenes y tendencias. No era lo mismo la música que tocaba Van Mccoy a las interpretaciones de Gloria Gaynor, o el estilo de Barry White.

A tres décadas de distancia ya todo parece igual, ritmo repetitivo a cuatro cuartos, predominio de voces femeninas, letras sugerentes, y el excesivo nivel en el bajo. La era de la música disco estuvo llena de riqueza sonora y provocativa incitación al baile.

La música disco provocó que nuevamente, después de veinte años, la pareja volviera a unirse físicamente en la pista de baile, teniendo contacto cuerpo a cuerpo al ritmo programado por los disc jockey . Las parejas correspondían con una danza coreografiada, de pasos ensayados, como el clásico ‘ Hustle’.

Ir a bailar a una disco requería pues, un estilo fashion en el vestir, tener habilidad para bailar. Estas razones fueron suficientes para que los rockeros de jeans y zapatos raspados sintieran aver sión por los chavos que iban a la disco.



EL SONIDO DISCO
Y LAS PRIMERAS DISCOTEQUES

Es necesario también tomar en cuenta que las primeras discoteques que surgieron en Europa, probablemente en Francia, eran inicialmente frecuentadas por una clientela prominentemente gay.

Le Dome y le Club fueron los primeros nombre que despuntaron en el creciente fenómeno mundial de las discos que alcanzo su clímax en 1977, cuando al menos 15 mil discos estaban registradas solamente en los Estados Unidos, siendo el club más famoso del planeta el Study 54.

En la música disco hay diversas variedades, pero en todas se encuentra un común denominador, el ritmo. Básicamente, la música disco combina cuerdas y efectos que hacen recordar a las grandes bandas para dar como resultado una música alegre que incita a mover el cuerpo.

En la música disco se mueven raíces étnicas con una gran fuerza; esta música era la evolución de las corrientes negras del rock and roll, y en sus bailes y coreografías resume su esencia latina agregando así otro elemento que provocaba rechazo en los públicos blancos de la era del rock.

En las estaciones de radio la música disco de presentaba en versiones cortas, breves repeticiones de la melodía y el ritmo, pero en las discoteques se escuchaban las versiones remezcladas, en largas duraciones, con secciones dedicadas al ritmo, fusionadas con interludios melódicos sobre los que se oían letras de gran trivialidad, sin importar cuál tipo de digresión proyectaba el disc jockey. El ritmo era avasallante.

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NEUROMOTOR
Diluvio de placeres, estrellas, formas y colores...

texto: texto: Häna

“ ...siete colores son los peldaños de la escalera planetaria del cielo...”
-creencia alquimista-


Preludio:
Excelso e irrepetible. Perfección. Gran conexión invisible pero tremendamente energética entre público y dj. Contrajo nupcias con su público, tanto fervor derramó lágrimas en Thy-Lan (Neuromotor) y el público lo aclamó entre aplausos, bramidos, brincos, sonrisas y energías sublimadas. Posteriormente, ofreció algunas palabras de afecto y emoción por encontrarse con el público tapatío –hecho pocas veces visible, es decir, el punto más elevado que una fiesta de cohesión puede tener, del ‘yo’ al ‘nosotros’, se logró el 09 de agosto de 2003 en las tortuguitas-.

Perímetros de sensaciones hacia archivos de memoria colectiva

“La música como el espíritu sopla por donde quiera”
Guillermo Cabrera

Frase muy atinada, sobre todo desde una visión melómana, pero entonces...
¿Fred sopló música o espíritu?¿o posiblemente en estos casos sea la misma esencia? Difícil comprender dónde radican todas esas fronteras imaginarias de aquello que no es tangible, pero desde los sentidos Thy-Lan devolvió a los asiduos el fruto de su talento.

Ocho horas y dos actos en vivo de dos de sus proyectos, Neuromotor y E.S.X.S. Riquezas rítmicas de un trance de esquemas continuos por minutos, pero elevaciones espontáneas en sus evoluciones sintéticas, con muchos teclados y variaciones en su full on. Elementos con muchos teclados, primitivos, groovies, guerrerones y hasta melódicos estallaron las neuronas con diferentes actitudes dependiendo la alteración de las vibraciones; las hacía sentir vivas, no sólo en función de las necesidades del hombre, sino con independencia de gozar aquello que las libera y eleva: la música.

Esta rebeldía neuronal se apoderó de la materia, los cuerpos abrieron sus sentidos hacia sueños despiertos anclados al reciclaje de energías con la naturaleza, con la feminidad de los colores rojos pasionales de luna llena, con las estrellas fugaces que representaban un poco más de euforia pero en otros niveles, con el cauce de un río termal calentado por el volcán que 19,000 años atrás dio vida al bosque con su erupción, pero que ahora puede estar enfriándose, o simplemente activando su furia de nuevo.

Con tan sólo dos años de producciones, alimentó a un pueblo con humos digitales y se etiquetó como uno de los mejores. Logró su objetivo “una audiencia libre, sin diferencias sociales...”

Erosionando la ideología

Para contrarrestar aquella hermosura, es evidente que no se pudieron escapar los lindos detalles que, al menos a mí, me hacen sentir como si me hicieran manita de puerco.

1-Ácaros y bichos desmanteladores de autos. Por lo que ahora tendrá que calcular un precio extra al ya elevado precio del boleto. Calcule fácil: llantas, espejos, estereos... y si le va bien, hasta sus asientos.

2-Muchos sedientos, calculo mucho más de la mitad, compraron agua... y por supuesto, depositaron en el suelo su linda botellita de PET (la cuál no sólo contamina por el plástico, sino que para la producción de éstas se necesitan una proporción de ocho botellitas de agua para hacer un solo envase). Para la próxima sería bueno agregarle a los envases recados como: “ravers forever”, “aquí estuvo la banda electrónica...”, “Bosque de la primavera: i’ll back”, y... “sucios pero felices...”

La agresión hacia el medio es intolerable, y peor por la doble moral que se está jugando ¿no que mucho amor a los espacios abiertos? Lo dejo en el aire...

Aunque, debo aclarar, aún hay mentes con enorme conciencia y pocas tendencias de subdesarrollo.

Claudico el texto para no atocigar más y que vayan pensando en lo que viene, y pues como explica Durkheim -interpreto y valido el fenómeno a partir de mis percepciones-. Habrá muchos en contra de mis pensamientos, entonces mejor les cedo la voz y la palabra y me atengo a las consecuencias.

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3er elemento

texto: Gabriel Noriega

Mientras en otras latitudes del planeta la cultura del VJ es ya reconocida dentro de la escena electrónica en los grandes festivales a nivel global, en México apenas se está gestando un movimiento de personas con inquietudes dirigidas a acompañar a la música con imágenes que concuerden y hagan más nutritiva a las manifestaciones artísticas ahí expuestas. Por lo pronto, aquí en Guadalajara tenemos a la dupla conjuntada por Eduardo y Carlos, quienes integran el proyecto Tercer Elemento, y en este mes Proyectogdl.com quiere dedicar esta sección a este par de artistas que se desenvuelven dentro de un campo no muy explotado en el medio electrónico local.

La formación de Tercer Elemento sucede cuando Eduardo Aguiñaga invita a Carlos Michel, quienes ambos cuentan con una amplia experiencia en el diseño, pintura, y producción visual y radiofónica, y es así hace año y medio deciden conjugar esfuerzos; siendo así como el concepto de Tercer Elemento se crea a partir de los elementos que se manifiestas en las presentaciones de la electrónica que son: música, luz y visuales.

A través de sus performances se puede distinguir y apreciar como Eduardo y Carlos gustan de exponer una temática donde la gente que los observe reflexione, y que lleve a una búsqueda lúdica enfocada a cuestionar, y que además genere sentimientos y evocaciones, llevándolos a una expresión de evolución y de esta forma la gente empiece a vibrar en un mismo tono. Sus presentaciones se caracterizan por la continua exposición de elementos consistentes en pinturas digitalizadas, ambientes y sistemas naturales intercalados con diseños, loops y hasta fragmentos de películas clásicas como Metropolis, Blade Runner, Odisea 2001 y The Pillow Book; de la cuales dependiendo de la ocasión pueden llevar un trabajo de pre-producción que acompañe a los artistas de esa noche. De igual manera que un DJ sus sets son emanados en el momento y que si no son grabados no se volverán a repetir.

Sus herramientas de trabajo actuales consisten en una Macintosh i-book, un mixer análogo y otro digital, reproductores DVD y VHS, y a veces una videocámara, con lo que este proyecto local ha podido ilustrar noches tan memorables como las fiestas donde han estando presente gente del nivel de Paul Van Dyk, Dave Seaman, Alexander Coe a.k.a Sasha, Nick Warren, Anthony Pappa, Danny Howells, Moshic, Sandra Collins; y sus imágenes han viajado a ciudades como Acapulco dentro del Aca World Sound Festival y el Distrito Federal. En México, Acapulco en el Aca Fest, y Guadalajara.

Entre los planes que tienen actualmente es el de tomarse un receso para poder retrabajar el proyecto, darle un descanso para no repetir material y buscar la producción de nuevo material como loops visuales; además de ir consolidando una imagen corporativa que sea sinónimo de que cuando el Tercer Elemento aparezca en un flyer se tenga la seguridad de que el público podrá alimentarse los ojos y la mente con calidad y sentido.

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STEVE PORTER

Siendo 1996 y cuando contaba con apenas 16 años, Steve Porter comienza la búsqueda de habilidades y conocimientos para ir formando un estilo propio. Sus primeros flirteos con la música electrónica suceden cuando en esos años de adolescencia le gustaba curiosear en la sección de Techno de una tienda cercana. De esa forma, rápidamente abriría su escuela para DJs con el único propósito de llevar nuevos sonidos poco convencionales para la mayoría de juventud circunvecina. Es así que comienza a tocar en festivales escolares y bodas. Aunque fue hasta el verano de 1997 cuando decide dejar su trabajo como DJ de freelance para así tomar un empleo en la tienda local Growroom, donde rápidamente se involucraría de lleno con la música que él amaba, teniendo además un inmejorable acceso a la misma.

Es en 1998 cuando empieza a adquirir equipo para la producción de sus propios tracks, y se pude decir que prácticamente comenzaría a mezclar sin los conocimientos necesarios, todo a través de la observación y estudios. Sin embargo, no tardaría más de un año para que su talento comenzará a ser bien recibido, pues un día llegaría hasta las manos de Chris Fortier cuatro demos de Steve. Casi instantáneamente Fortier le llamaría a Porter para preguntarle acerca de algunos tracks. Es así que con tan solo 20 años de edad, Steve Porter en 1999 ya habría lanzado cuatro tracks bajo la Fade Records, y no tardaría mucho en darse cuenta de que sus trabajos discográficos serían tocados por Sasha y Digweed.

Su segunda producción llamada “Sensor” y “Mindless” llevaría a Steve a otro nivel. Con estos tracks su camino sería el de acompañar a aproximadamente diez compilaciones en las que figura el Nubreed de Anthony Pappa, de Global Underground. De hecho, es así como muchos labels comenzarían a buscar a Steve para hacer remezclas de sus tracks.

En los últimos dos años, Porter ha forjado una carrera con un estilo tan particular que lo caracteriza, ese sonido que va y viene en los limites del house y techno. Actualmente tiene una residencia en los clubes bostonianos Rise and Hibernia y Axis; y además, Steve pertenece a la agencia de booking Balance Promote, una de las más importantes a nivel mundial.

Con 18 remixes recorriendo el mundo, y muchos sencillos en puerta que saldrán en Bedrock y Fade Records, Steve Porter tiene la misión de seguir llevando buena música alrededor del mundo.

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AÑO NUEVO MAYA
Perplex

texto: .gen.

26.07.03- Día uno, primera luna. Comenzando el ciclo Maya lunar.
El bosque se incorporó al escenario intra cósmico del psy-trance y la persistente estética neo-maya, una noche armada con al estilo israelí, Perplex.

De esta manera, la oferta de ideas trascendentales, se expuso bajo la celebración del “día fuera del tiempo” un momento dedicado para pedir perdón y vivir el arte. Como festival, sólo dejo expectativas, sin embargo, la utópica ilusión del INLAKECH -“yo soy tu y tu eres yo”-, fue el símbolo mayor en un festejo de gente, que busca algo en que creer.

Entre lluvia y árboles, el auge de la emoción fue comandado por Blue Lunar Monkey seguido por Perplex, horas de full on que despertaron nuevamente, el dominio de la actitud, que por momentos, nos hace a todos iguales. “La fiesta de la comunidad”

La producción sin escatimaciones, un chill out room – galería, visuales, iluminación inteligente y un sin número de presuntos “artistas” y protagonistas que de una u otra forma dejaron su huella.

Aunque por momentos pareciera que el conjunto de este tipo de propuestas ya no articula nada en común, aun se hacen ver todos los que los que viven en la esperanza de un pensamiento vanguardista (neo-maya), aunque la realidad apunte más bien hacia un mundo plástico y limitado. Pero mientras tanto, este discurso seguirá siendo un buen motivo para darle credibilidad al espíritu colectivo.

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BEAT BIZARRE

entrevista: Gabriel Noriega

20 de junio de 2003.- Una charla interesante con los integrantes del proyecto danés Beat Bizarre.

Proyectogdl.com: ¿Cómo es llegan a conocerse?
Beat Bizarre: Nos conocimos desde hace mucho tiempo en Dinamarca, donde nos encargábamos de organizar algunas fiestas, y posteriormente nos reuniríamos para hacer música.

P: ¿Desde cuando iniciaron a hacer música?
BB: Siempre hemos estado en contacto con la música, aunque juntos tenemos siete años, algo así. Al principio asistíamos a las fiestas de acid house a finales de los ochenta, y quisimos convertirnos en DJs, así que compramos nuestro primer equipo de sonido en 1992 con el fin de hacer música profesionalmente.

P: ¿Cómo surge la idea de hacer música trance?
BB: Organizando las fiestas. Siempre hemos estado fascinados con la música electrónica, siempre la hemos amado, además de que es muy relajante el hecho de estar sentado y tener un control total de tu cuerpo.

P: ¿Qué equipo utilizan para hacer su música?
BB: Es mucho lo que tenemos en el estudio, por ejemplo usamos mucho la marca Nordic, pero recientemente hemos utilizado mucho la computadora y software como el Logic. Hay tracks que están hechos casi en su totalidad con equipo análogo. Aunque la computadora se está expandiendo demasiado, pues con la cantidad de plug-ins quizá muy pronto ya no se necesite es cantidad de equipo.

P: ¿Qué piensan de la escena de Guadalajara?
BB: Pienso que la escena aquí es muy diferente a la del D.F., aquí la gente le gusta más el Full-On, y creo que es porque hay mucha comunidad universitaria que le gusta divertirse.

P: ¿Sus próximos proyectos?
BB: El siguiente proyecto es terminar nuestro siguiente álbum, el cual saldrá en noviembre. Es un álbum que tiene cosas muy buenas y esperamos que a la gente le guste tanto como el primero, y será editado por el sello I-Boga.

P: ¿Por qué creen que la crítica hable bien de su música?
BB: Creo que es porque nuestro lado fuerte es el poder y las ganas que le ponemos cuando hacemos nuestra música.

P: ¿Cómo describen el sonido Beat Bizarre?
BB: Está cambiando, en nuestro primer álbum la gente decía que era más minimalista, aunque yo lo calificaría como un deep trance mañanero, y es así como la gente y la música crece; nuestro siguiente álbum será más cargado hacia el Full-On. Es difícil de describirlo.

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SESTO SENTO
Sin registros de las consecuencias del sonido.

texto: Häna

31 de mayo de 2003.

Más allá de ubicarnos en el Aconcagua, Machupichu, el mar negro, la Patagonia o... simplemente Chapala, es evidente que la música -esté donde esté- rastrea todo individuo con capacidades de afición y regocijo en aras de mostrar su imperio (tan sólo recordemos que Hitler acompañaba sus discursos con música para manipular, y logró que cualquier pequeño burgués se transformara en un Mesías).

En este caso, el psy trance estelarizado por Sesto sento y Visual Paradox mantuvo su reinado ante los espectadores, tanto en mezclas como en actos de tiempo real. Pero no fueron los únicos, Santiago, La Yesca, Nino y Kechu también mostraron sus agallas auditivas y fueron el complemento para la perfección. Es decir, desde el momento en que los astros salieron por el este hasta que se pusieron en el oeste, la telaraña electrónica mantuvo sus vibraciones exquisitas y se deslizaron entre diversidades de géneros desde el roots hasta las fanfarrias.

Más allá de la música, hubo tendencias orientales innovadoras, invitaciones, decoración, un documental y un rito al inicio del evento. Había sobriedad, pero más impacto; los dragones fungieron como imanes para afirmar que debajo de ellos se encontraba el trono de los estelares. Incluso, hubo mariposas alrededor del escenario que generaron dudas acerca de su procedencia: si salían de los dragones como parte de la decoración, si eran parte del hábitat, o si sencillamente eran una especie de plaga reproducida en alguna de las bocinas en el tiempo que las tuvieron apiladas.

Las intención de no sólo deleitar al publico con excelentes producciones, sino también de mostrar “otras” filosofías de vida, puede generar aprendizajes de otras culturas; o simplemente incorporar la noción de que el movimiento necesita repensarse en cuanto a su identidad real actual y el rumbo que está tomando.

Maravillosos momentos en todas sus dimensiones, pero las primeras filtraciones solares demostraron que algún defecto debía tener el evento: la luz rebotaba y se retorcía entre aluminios y plásticos de botellas vacías. No obstante hubo mayor número de personas recolectando los residuos.

Las luces se trasladaron de los residuos hacia las tornamesas: “todo mundo debía regresar a casa”. Los asiduos suplicaron para que la música no los abandonara como bastardos, pues es difícil no apegarse a la irrealidad de lo infinito.

Retomando esa noche del 31 de mayo de 2003 en “El Estrellón”, Chapala, es evidente que estas líneas intentaron construir lo ocurrido durante aproximadamente doce horas, por lo que seguramente habrá sentimientos, formas, colores, pasiones, sonidos y acontecimientos que no están presentes. Tan sólo una generalidad de poco tiempo sublime e intenso, junto a un lago que es el principal regulador térmico de Guadalajara, pero que pronto será un mito.

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