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Ver la versión completa : cine japones



ALEJANDRANATALY
05/07/2004, 18:10
Una mezcla de sarcasmo ante la realidad que circunda en nuestros medios, porque no hablar de un buen cine japones...
antes de llegar los refritos amerrricanos, porque no disfrutar y criticar lo japones?


Suicide Circle
Nacionalidad Japon
Año 2002
Director Sion Sono
Interpretes Masatoshi Nagase, Ryo Ishibashi, Akaji Maro, Saya Hagiwara
Sorprendente, original y divertido thriller que no he entendido en absoluto. Si esta opinión no es suficiente para hacerte huir sigue adelante. Y lo peor de todo es que su primera mitad rezuma calidad y diversión por partes iguales. Un planteamiento interesante que fomenta la intriga, una realización completa que combina la perspectiva en primera persona con la subjetiva, unas escenas sangrientas y sobredimensionadas que animan los sentidos y unos elementos como la música o las interpretaciones, que colman las expectativas de los mas exigentes. Divertimento al servicio del misterio, la sangre e inclusive los sentimientos centrados en las relaciones familiares tan importantes para el país nipón. Entonces... ¿Si lo dicho roza la perfección como es que en su segunda mitad el film se estropea tanto?. Fácil, las incógnitas no se despejan, empiezan las incongruencias y da comienzo el festival confuso y absurdo. Desde un grupo de admiradores por sus pintas y hechos del "Rocky Horror Picture Show" hasta unas secuencias harto indescifrables y vacías de contenido. Y de lo segundo, de los errores, podría hacer una larga relación empezando por... ¿ que "pinta" la tal Bat ? ¿...y su padre...? ... y los puntos en el monitor... ¡¡¡ pero si ni siquiera se corresponde con la acción !!!!. En su descargo hay que añadir que posee un par de escenas de esas que erizan el vello por su crudeza y falta de tacto a pesar de que escenas de terror propiamente dichas solo posea otro par. Solo queda añadir lo aislado que cada vez me encuentro cuando leo criticas por diversos medios ensalzando esta obra. De ahí lo que siempre digo... bueno, ya se sabe, tan solo es mi opinión y mas que nunca puede no ser la valida... ¿o si?. Resumiendo, una cosa es que la trama se deje inconclusa o que sus teorías sean abstractas y otra que todo un trabajo previo bien realizado sea casi "tirado a la papelera" en pos de no se que convencimientos. Para abstracciones mejor "Kairo" que al menos transmite sensaciones.

Japón. Mas de 50 colegialas se suicidan tirándose a una vía de metro causando una verdadera sangría. Esto coincide con otros suicidios en las mismas fechas. Aunque al principio la policía achaca los casos a un estado de histeria colectiva unas bolsas de deporte con tiras de piel humana enrolladas servirán de nexo de unión entre los casos y se comenzará a sospechar que todo forma parte de un macabro plan. A ello se le unirán unas extrañas llamadas de teléfono anunciando mas suicidios. Pero nuestros protagonistas no están solos, una joven aficionada a la red descubre una web donde por medio de unos puntos se predicen las muertes. Las investigaciones avanzarán dando lugar a descubrimientos en los que una circular por email resultará clave para... ¿algo?.



http://www.mandiapple.com/snowblood/suicidecircle.htm

Ju-On:
la maldición nacida del rencor, del deseo de mal y venganza de quien muere en medio de una ira incontrolable. Se manifiesta y existe en los lugares que la persona frecuentaba en vida, esparciendo su mal en quienes entran en contacto con ella, y así volviendo a crearse, renovada.

Un par de asesinatos. Un niño muerto. Su gato negro. Su madre. Venganza. Mucha venganza, y una casa, donde ocurrió todo, donde desde ese momento nadie puede vivir con calma... ¿Cliché? La verdad es que importa muy poco si lo es, pues se trata de un éxito de taquilla, de nombre, de marca, y una cinta que ya tiene hasta un remake americano, hecho por el mismo director.

Una cinta en la línea de terror oriental de Ringu, con espectros, rostros repugnantes, mujeres que se arrastran por los suelos con sonidos extraños, y la presencia de un niño que tiene como diversión principal el observar a las víctimas, perseguirlas, y ver cómo su madre se encarga del resto... Una buena mezcla de efectos sonoros y de ambiente de miedo (el equipo muestra que son unos genios para crear atmósferas del estilo narrado), y suficiente adrenalina en los espectadores para salir con sudor frío de las salas de cine.

El director Takashi Shimizu y el equipo de producción de Ringu y de The Ring (la versión americana) se aproximaron a esta historia de fantasmas y de espíritus de venganza en dos telefilmes (del año 2000) que se volvieron de inmediato piezas de culto: Ju On y Ju On 2. El éxito fue tal que la versión cinematográfica era de esperarse, y pese a que su continuación es más terrorífica en momentos (pues hay una Ju-on: The Grudge 2 ), resulta un plato de emociones que sorprenderá a muchos.

El diseño de los espíritus de la madre y el hijo, como protagonistas latentes, es uno de los méritos más grandes: el niño y su rostro resultan ideales para lo que desean conseguir, y la madre (aún cuando repite el estilo de Ringu y sus arrastres por el suelo) tiene un audio que recalca mucho de ese miedo permanente que se desea manifestar.

De lo más destacado, y pese a cierto exceso de repeticiones, es la forma de hilar eventos, con personajes implicados y líneas temporales mezcladas, a medida que se esparce la maldición en cuestión.

El resto del estilo visual es llamativo desde perspectivas occidentales: los peinados de alta moda de las protagonistas contrastan con las habitaciones de toque moderno y tradiciones mezcladas (los zapatos en la puerta, puertas corredizas a la usanza tradicional, dormir en el suelo), y hay referentes obvios a las fórmulas ‘clásicas’ de Ringu (rostros deformados o manchados en las fotografías de los desaparecidos) que se encargan de unir todo en un mismo referente de marca y de terror comercialmente válido.

Para los seguidores y el culto: la original Ju On trata de cómo un esposo celoso mató a su esposa e hijo, iniciando el proceso de odio y venganza, mientras que la continuación, Ju On 2 trata de dar respuesta a algunas interrogantes sobre la misma historia. Esta versión fílmica, Ju On: The Grudge, parte del evento de los asesinatos como pie al caos que sigue a la maldición que anhela vengarse en todo aquel que toca.

Una obligada si son seguidores de Ringu, del género de terror, la variante oriental, o simplemente si quieren brincar un poco en sus asientos. Para los que prefieren otro idioma, la versión americana estrenará este mismo año.

Adrenalina garantizada, algunos sustos suficientemente amplios también


LA MALDICION 2
Dirección y guión: Takashi Shimizu.
País: Japón.
Año: 2003.
Duración: 95 min.
Interpretación: Sakai Noriko, Niyama Chiharu, Horie Kei, Ichikawa Yui, Katsurayama Shingo.
Producción: Taka Ichise.
Música: Sato Shiro.
Fotografía: Kikumura Tokusho.
Montaje: Takahashi Nobuyuki.
Dirección artística: Tokiwa Toshiharu.
Estreno en Japón: 23 Agosto 2003.
SINOPSIS

The grudge es la maldición surgida del rencor que anida en alguien que fallece preso de una profunda ira. Se concentra en los lugares que frecuentaba el difunto cuando estaba vivo y obra su maleficio en aquellos que renuevan la maldición al visitar esos lugares. La actriz Kyoko Harase ha apare-cido recientemente en una sucesión de películas de terror, pero no le gusta que se la haya encasillado por ello como la reina del géne-ro. Embarazada de su prometido, Masashi, se plantea retirarse aprovechando su futura condición de madre y esposa. Mientras de-cide si debe seguir aceptando papeles en los que no puede poner el corazón, es contratada como invitada en un show televisivo sobre casos paranormales que prepara la filmación de un programa titula-do "La casa encantada", que investigará el asesinato, varios años antes, de la señora de la casa, Kayako Saeki. Su cadáver fue en-contrado en el desván por su marido, Takeo, que posteriormente apareció en una calle cercana, muerto por motivos desconocidos. Toshio, el hijo de seis años de ambos, desapareció sin dejar rastro. Desde entonces, las familias que han vivido en la casa y las perso-nas vinculadas a ellas han desaparecido o muerto misteriosamen-te. El director del programa Keisuke Okuni, el presentador Tomoka Miura, la estilista Megumi Obayashi y el resto del equipo visitan la casa, una vivienda aparente normal de un barrio residencial, sin na-da que resulte extraordinario. Nada destacable ocurre durante el ro-daje del programa, lo que no deja de defraudar a Keisuke. Sólo Me-gumi, que tiene una especie de sexto sentido, se da cuenta de que Kayako y Toshio todavía rondan por la casa y decide irse de ella sin perder tiempo. Esa misma noche, en la sala de maquillaje de los estudios de televisión, comienzan a ocurrir de nuevo extraños sucesos que implican a todos los relacionados con la producción


http://www.juonthegrudge.com/



...Y MirandoInquisitivamenteAEseMonstruoLlamado Nietzche, Exclame:"¿QuéMeVesGüey,SoyOMeParezco?"

ALEJANDRANATALY
06/07/2004, 17:51
Hana-bi
(Takeshi Kitano) Muchos críticos de cine consideran 1997 como el año del renacimiento del cine japonés. No en vano, en ese año Hana-bi de Takeshi Kitano conseguía el León de Oro en el festival de Venecia, Shohei Imamura lograba la Palma de Oro en Cannes con Unagi (La anguila) y Naomi Kawase se convertía en la directora más joven en ser premiada con la Cámara de Oro en Cannes por su película Suzaku.Por otro lado, Shall We Dance? de Masayuki Suo(Sumo Do Sumo Don't) pasaría a ser la película japonesa de más éxito en los Estados Unidos y Mononoke Hime (La Princesa Mononoke) de Hayao Miyazaki batía el record de la taquilla japonesa que poseía ET desde 1982.



No obstante, otros muchos críticos, entre ellos Mark Schilling, todavía consideran que el cine japonés no ha salido de la crisis que dio comienzo a principios de los años setenta. Para ello comparan las figuras de la llamada época dorada de los cincuenta y principio de los sesenta con las actuales. En 1960 por ejemplo se estrenaron 547 películas y se alcanzó una cifra record de 1 billón de espectadores mientras que en 1997 sólo se producieron 278 películas y la cifra de espectadores se quedó en casi 141 millones. El número de salas cinematográficas también se ha usado como dato ilustrativo del declive del cine japonés. En 1960 había en funcionamiento 7.457 salas comparadas con las 1.884 de 1997. La crisis del cine japonés también se ve reflejada en la producción de películas realizadas por las principales compañías productoras. En 1960 entre Toho, Shochiku, Toei, Daiei y Nikkatsu se realizaron 545 filmes. Sin embargo, a partir de ese año su producción fue disminuyendo drásticamente. De esta manera, en 1970 se realizaron 367, en 1987 135 de un total de 286, en 1997 78 de un total de 278 y en 2000 sólo 57 filmes fueron producidos por los 3 estudios que han sobrevivido hasta ahora (Toho, Shochiku y Toei) de un total de 282 (si bien es verdad que un gran número de ellas son de hecho películas para adultos).

No obstante, los más pesimistas de estos críticos parecen que son incapaces de ver más allá de Kurosawa, Mizoguchi y Ozu y da la impresión de que muchos de ellos no han llegado a aceptar la muerte de estos maestros. Sin ir más lejos, otros directores, a quienes también se les podría denominar como maestros, todavía continúan en activo, si bien el resultado artístico de sus trabajos más recientes no se podría comparar al alcanzado durante el periodo de la nueva ola japonesa o Nuberu Bagu (Nouvelle Vague) iniciada por Nagisa Oshima a finales de los cincuenta.


Akai Hashi no Shita no Nurui Mizu
(Shohei Imamura) Oshima, quien después de 13 años sin dirigir un largometraje debido a un derrame cerebral, su último había sido Max Mon Amour (1986), se ponía una vez más detrás de la cámara para dirigir su primer jidai-geki, Gohatto (1999) el cual tuvo resultados desiguales. Mucho mejor recibida fue Unagi (La Anguila, 1997), del otro gran maestro de la nueva ola japonesa, Shohei Imamura, cuyo anterior largometraje había sido Kuroi Ame (Lluvia Negra, 1989). Una año más tarde Imamura realizaba Kanzo Sensei (Doctor Akagi) y hace dos años finalizaba Akai Hashi no Shita no Nurui Mizu (Agua Tibia Bajo un Puente Rojo, 2001) que aunque son obras interesantes les faltan la energía y originalidad de sus mejores trabajos de los sesenta. Kiju Yoshida, más conocido como Yoshishige Yoshida, otro de los miembros de la nueva ola, presentaba en el festival de Cannes del año pasado Kagami no Onnatachi (Mujer en el espejo).


Otro de estos miembros, Masahiro Shinoda acaba de estrenar una nueva película que lleva el título de Spy Surge sobre la vida de un espía comunista alemán en el Japón de la segunda guerra mundial. Shinoda ha declarado que Spy Surge será su última película como director. A sus 87 y 91 años respectivamente, lo que los sitúa en la misma generación que Akira Kurosawa, Kon Ichikawa y Kaneto Shindo deben de ser de los directores en activo (junto con el portugués Manoel de Oliveira) más viejos. A lo largo de toda su carrera Ichikawa ha logrado mantener una constante producción de películas si bien de desigual calidad artística. Sus últimos dos trabajos Dora Heita (2000) y Kah-Chan (2001) se han basado en guiones escritos hace más de treinta años. La historia de Dora Heita fue concebida en 1969 por Ichikawa, Akira Kurosawa, Masaki Kobayashi y Keisuke Kinoshita cuando estos cuatros directores formaron su propia productora Yonki-No-Kai (los cuatro jinetes). La primera y única película de esta compañía fue Dodesukaden (1970), primera película en color de Kurosawa. Por otro lado, Kah-Chan está basada en un guión de su difunta esposa y colaboradora Natto Wada escrito hace 47 años. Con motivo de la presentación de Kah-Chan en el festival de Montreal del 2001, el jurado le otorgó un premio extraordinario por el conjunto de su obra. Fukuro (La Lechuza, 2003) es el último largometraje hasta el momento del nonagenario director Kaneto Shindo. Fukuro recibió una distinción especial y su protagonista, Shinobu Otake, ganó el premio a la mejor actriz en el festival internacional de cine de Moscú de este año.

De todas maneras y aunque ésto no sirva de mucho consuelo para los detractores del cine japonés, si comparamos las cifras recientes del cine japonés con las de otros países nos daremos de cuenta de que Japón todavía se encuentra afincada en el puesto 3 del ranking mundial en cuanto a producción anual de películas se refiere, sólo por detrás de los Estados Unidos e India. Como dato ilustrativo sírvase el hecho de que en el año 1993 el cine japonés sólo acaparó el 35.8% de la recaudación total, representando su índice más bajo hasta ese momento, pero que sin embargo superaba con creces el obtenido por otros países como Gran Bretaña (8%), Alemania ( 7% ) o Francia (33%) en ese mismo año. Como ya hemos anotado anteriormente las producciones independientes han sobrepasado enormemente a las de los tres estudios principales. En los últimos años éstos se han dedicado casi exclusivamente a seguir produciendo una y otra vez las series que les han sido tan populares durante años y que les están salvando de la bancarrota. Esta tendencia es una prueba muy clara de la falta de ideas y dinamismo por parte de los estudios. Aunque la producción de películas ha caído en picado, su situación financiera se ha mantenido boyante gracias al control que los estudios ejercen sobre los medios de distribución ya que poseen la mayoría de las salas de cine. Sin embargo, con la reciente apertura de numerosos multiplexes de cine, su dominio sobre la distribución se ha visto disminuido lo que ha agudizado aun más el ambiente de crisis económica que rodea a los estudios y al cine japonés en general.

Toho por ejemplo, entre 1991 y 1995, después de los éxitos de una nueva versión de Godzilla estrenada en 1984 y su continuación Godzilla vs Biollante en 1989, sacó cada año una nueva entrega del famoso monstruo, todas ellas consiguiendo unos resultados considerables en la taquilla local. De esta manera, Godzilla vs Mothra (1992) y Godzilla vs Destroyah (1995) encabezaron la taquilla de sus respectivos años. A pesar del éxito de esta última, Toho anunciaba en 1995 que terminaba la producción de la series de Godzilla. Sin embargo, en diciembre de 1998 se anunciaban los planes para realizar una nueva versión para ser estrenada en las navidades del año siguiente. Esta película llevaría el título tan oportuno de Godzilla Millennium. Uno de los motivos de su realización fue la pobre acogida del remake americano por parte del público japonés. A esta nueva entrega se le han añadido hasta el momento otras cuatro más: Godzilla vs. Megaguirus (2000), Godzilla, Mothra, King Ghidorah: Daikaiju Sogougeki (2001)¸ Godzilla vs Mechagodzilla (2002) y Godzilla, Mothra, Mechagodzilla: Tokyo S.O.S. (2003).Otra franquicia que le ha dado muy buenos resultados a Toho ha sido las series animadas de Pokemon, la cuales ya van por su quinta entrega, o Doraemon, 24 hasta el momento, aunque Toho ya tiene preparada su vigésimoquinta entrega que será estrenada en Marzo del 2004 con motivo del 25 aniversario del comienzo de las series.


Tora-san
(Kiyoshi Atsumi) Shochiku conseguía mantener el tipo gracias a la enorme popularidad de las series de Tora-san (Otokowa Tsurai yo, Es duro ser un hombre). Estas llegaron a su fin en 1996 tras la muerte de Kiyoshi Atsumi, el carismático actor que había interpretado el personaje de Tora-san en 49 ocasiones desde el comienzo de las series en 1969, lo que las convierte en las series cinematográficas de más antigüedad del cine mundial. Excepto por dos, todas las entregas fueron dirigidas por Yoji Yamada, uno de los directores de más éxito en la historia del cine japonés. Yamada ya ha completado su filme número 77 (The Twilight Samurai) en una carrera como director que comenzó hace 41 años. Antes de la muerte del actor, Shochiku prudentemente empezada una nueva franquicia que posteriormente pasaría a convertirse en el reemplazo ideal de las series de Tora-san. Estas nuevas series comenzaron su andadura en 1989 con el título de Tsuri Baka Nisshi (Diario de un pescador alocado) sobre un salariman, interpretado por Toshiyuki Nishida que prefiere la pesca al trabajo.


Yoji Yamada ha colaborado en el guión de todas mientras que Tomio Kurayama ha dirigido gran parte de ellas (de la 2 a la 10). Su decimocuarta entrega, estrenada recientemente, se ha colocado, en su primera semana de estreno, entre las diez primeras de la taquilla japonesa. El propio Yoji Yamada también lanzaba su propia serie que lleva el título de Gakko, la cual ya va por su cuarta parte, sobre unos estudiantes adultos tratando de sacar el bachiller en un escuela nocturna.

La situación de Toei ha sido más desesperada ya que a partir de los años 70 se había quedado sin ningún tipo de series. En los 60 Toei había dominado la taquilla local con sus innumerables películas de yakuzas, la mayoría de ellas protagonizadas por Koji Tsuruta, Ken Takakura y Junko Fuji. La aparición del video a principios de los ochenta provocó la pérdida del monopolio de Toei en la producción de estas películas. De esta manera, Toei decidió que lo mejor sería unirse a su enemigo y en 1989 el estudio lanzaba la sección Toei Video, encargada de producir películas para el mercado del video y que pasaría a denominarse V-cinema. Uno de los más famosos beneficiarios de este sistema de producción ha sido el productivo Miike Takashi cuya carrera como director, después de asistir a Shohei Imamura en la dirección de dos películas, comenzó en el V-cinema. Miike Takashi no ha olvidado sus raíces ya que una de sus últimas producciones, Gozu, estaba destinada al mercado del V-cinema. Este cambio de estrategia en la producción de películas tuvo tanto éxito que a finales de los 90 Toei Video conseguía estrenar hasta dos títulos cada mes. Otros estudios como Nikkatsu y Shochiku se subieron al tren abriendo su propias secciones de OV el Janglish por Original Video. Sin embargo, los resultados de los estrenos de cine no hacían más que empeorar. De hecho Toei produjo los fracasos más sonados de la década de los noventa como por ejemplo Edojo Tairan de Toshio Masuda en 1991 o Rakuyo de Akira Tomono (1992) aún cuando esta última contaba con la presencia de los actores norteamericanos Donald Sutherland y Diane Lane. Una vez más las películas animadas han sido las que mejores resultados le han dado a Toei, la cual, a través de su sección Toei Anime Fair Films mantenía el tipo en la taquilla con las series Dragonball, Sailor Moon y Shinseiki Evangelion (Neon Genesis Evangelion).


Battle Royale
(Kinji Fukasaku) Más recientemente, un viejo colaborador del estudio le dio una de las mayores alegrías de los últimos años. Battle Royale, del fallecido Kinji Fukasaku, quien habia realizado la mayoría de sus películas trabajando para Toei, conseguía un éxito sonado en la taquilla local y extranjera. Battle Royale también recibió una publicidad extra en los medios de comunicación por su representación de violencia extrema entre adolescentes y por el intento de algunos miembros del parlamento japonés de tratar de prohibir su exhibición en las salas de cine.


La audiencia de Battle Royale consistía principalmente de miembros del público juvenil, quienes raramente acuden a las salas de cine para ver una película japonesa. Aunque Toei ha sido descrita por muchos como la más conservadora y reaccionaria de las tres productoras, a se le ha dado Miike Takashi carta blanca para poner en imágenes cualquier locura que se le pase por la cabeza. No es de extrañar ya que Toei se ha beneficiado enormemente de la popularidad, sobre todo en el extranjero, de uno de los fenómenos del cine japonés actual. Curiosamente, Miike Takashi ha continuado con la realización de las películas que más éxito le han dado a Toei: los yakuza-eiga. Miike Takashi ha revolucionado el cine de yakuzas de la misma manera en la que Kinji Fukasaku lo había hecho a principio de los años setenta.

Ésto con referencia a los tres estudios japoneses ya que el peso del llamado renacimiento del cine japonés ha recaído en producciones independientes. Por supuesto, en este apartado hay que destacar los ya míticos Estudios Ghibli creados por Isao Takahata y Hayao Miyazaki. Si Titanic batió a los pocos meses el record obtenido por Mononoke Hime (La Princesa Mononoke), Miyazaki volvía a la carga con Sen to Chihiro no Kamikakushi (El viaje de Chihiro), la cual todavía es la película más taquillera de todos los tiempos en Japón. Otro nombre a destacar es el del fallecido Juzo Itami. Sobre todo sus series acerca de la lucha de una mujer, siempre interpretada por su mujer Nobuko Miyama, en diferentes situaciones como por ejemplo la evasión de impuestos (Marusa no Onna, 1987), los yakuza (Mimbo no Onna, 1992) o la gestión de un supermercado (Supa no Onna, 1996). Con estas películas Itami Juzo consiguió que el público japonés se interesara una vez más por su propio cine, acudiendo en masa a la salas cinematográficas del país. Sus continuas apariciones en tertulias de televisión y su habilidad para auto promorcionarse también contribuyeron para el éxito de estas películas. Otro director independiente que ha acaparado cierto éxito con la audiencia japonesa ha sido Shunji Iwai.


All About Lily Chou Chou
(Shunji Iwai) Su primer largometraje Love Letter, sobre una joven que envía una carta a su novio recientemente fallecido y recibe una respuesta, se convirtió en el éxito más inexperado de 1995. Su estilo visual, reflejando elementos del video musical del estilo de la MTV con un montaje ultra rápido y discontinuo, estaba muy en tono con los gustos del público juvenil. Su temática romántica propia del drama de televisión también contribuyó a atraer a un público moderno, joven y femenino. Menos éxito han tenido sus proyectos posteriores: Swallowtail & April Story. Con su último trabajo All About Lily Chou-Chou, Iwai ha vuelto a conectar de nuevo con esta juventud japonesa que lo había impulsado hasta lo más alto del panorama del cine japonés.


Pero si hubiera que destacar a alguien que haya contribuido al reciente éxito del cine independiente japonés ese sería el productor Takenori Sento. En 1990 Sento empezó a trabajar de programador para Wowow, primer canal satélite de pago japonés, y más tarde, en 1992, se convertió en productor bajo el sello J-Movie Wars, subsidiario de Wowow. J- Movie Wars comenzaron a emitirse en diciembre de 1992 hasta junio del año siguiente. Esta serie consistía de cortos dirigidos por diversos directores como Sogo Ishii, Shunichi Nagasaki o Yoichi Sai y estaban supervisados por el propio Sogo Ishii. Esta iniciativa ofrecía total libertad a estos directores para realizar cualquier tipo de proyecto dentro del formato del corto. Algunos de estos cortos pasarían a convertirse en largometrajes como el caso de All Under the Moon del mencionado Yoichi Sai (quien había asistido en la dirección a Nagisa Oshima durante el rodaje de Ai no Corrida, El Imperio de los Sentidos [1976]), la cual obtuvo un gran éxito de público y crítica. Sento seguiría utilizando el sello J-Movie Wars para continuar produciendo más largometrajes. En los nueve años que duró el proyecto, Sento produjo 44 películas dirigidas por 32 nuevos directores japoneses.

Este fértil periodo ofrece una larga lista de películas premiadas en festivales extranjeros como por ejemplo This Window is Yours (Tomoyuki Furumaya, 1994, Dragon & Tiger Young Cinema Award, Festival de Cine de Vancouver), Elephant Song (Go Riju, 1997 premio NETPAC, Festival de Berlin), 2/Duo (Nobuhiro Suwa, 1997, premio NETPAC, Festival de Rotterdam y premio Fipresci en la Viennale), Suzaku (Naomi Kawase [quien luego se casaría con el productor], 1997, Camera d'Or, Cannes). Durante esta etapa creativa Sento también contribuyó en la carrera creativa de tales directores como Sogo Ishii (Tokyo Blood, 1993) y Angel Dust (1994), Hideyuki Hirayama (Yoiko to Asobou, 1994), Shinji Aoyama (Helpless, 1996) o Hideo Nakata con su Actress Ghost (1996), lo que le dió la oportunidad para dirigir Ring.


Takenori Sento Con la ayuda financiera una vez más de Wowow Sento lanzó la compañía Suncent Cinema Works el seis de noviembre de 1998. Esta nueva compañía supuso un pequeño impulso para la enfermiza industria cinematográfica japonesa reflejada en la actitud conservadora de los principales estudios sólo interesados en reciclar viejas fórmulas. Contradiciendo las preferencias de los estudios en cuanto a público se refiere, sólo interesados en satisfacer el mercado local, Suncent Cinema Works se esforzó en promocionar sus proyectos en el extranjero. Primero presentándolos en festivales y luego intentando vender su distribución en diversos países occidentales. Si los resultados obtenidos eran positivos Suncent comenzaría la exhibición de estas películas en cines japoneses.


La existencia de Suncent Cinema Works ha sido efímera. La compañía de Sento quebró hace un par de años. No sólo eso pero su matrimonio con la directora Naomi Kawase ha terminado en divorcio. El futuro de muchas de las películas producidas antes de la quiebra de la compañía es incierto. Títulos como Hotaru (2000) de Naomi Kawase, Desert Moon (2001) de Shinji Aoyama o H-Story (2001) de Nobuhiro Suwa no han cosechado el éxito esperado en festivales de cine como ocurriera con sus trabajos precedentes. Las dos últimas películas por ejemplo sólo han recibido su estreno en Tokio hace un par de meses.

Sin embargo el legado dejado por Suncent Cinema Works es más que interesante y se ha convertido en una pequeña muestra del enorme talento de algunas figuras del cine independiente japonés. Algunos ejemplos son Timeless Melody (Hiroshi Okuhara, 1999, Grand Prix del festival de cine de Pusan, Corea del Sur), M/Other (Nobuhiro Suwa, 1999 FIPRESCI en Cannes), Eureka (Shinji Aoyama, 2000, premio FIPRESCI y premio ecuménico del jurado en Cannes ), Bad Company (Tomoyuki Furumaya, premio FIPRESCI, Rotterdam), Unloved (Manda Kunitoshi, ganador del premio del jurado para el director nuevo más prometedor en el festival de Cannes del 2001) entre otros. Sento también ayudó a financiar el largometraje japonés más influyente de los últimos 20 años: Ringu (y también Rasen), el cual ha provocado un renovado interés en el cine de terror. Sento también ha apoyado incondicionalmente al director de películas cyberpunks Ishii Sogo a quien sacó de un letargo de diez años cuando produjo Angel Dust en 1994. Su último trabajo, Gojoe (2000) fue el proyecto más ambicioso de Suncent pero también supuso uno de los fracasos más sonados de la misma y que posiblemente contribuyó a la quiebra de la compañía.

Sento es sin duda el productor japonés que más ha hecho por el cine independiente japonés. Sin embargo, no ha sido el único. La lista de nombres de realizadores independientes que han ayudado a crear este llamado renacimiento del cine japonés actual son muchos pero habría que destacar 3 figuras. La primera es el director/productor de animación Hayao Miyazaki. Durante muchos años Miyazaki ha sido, y sigue siendo, uno de los artistas más respetados, admirados y de más éxito en la historia del cine japonés. Prueba de ello son sus últimos dos trabajos La Princesa Mononoke y El Viaje de Chihiro.


Sen to Chihiro no Kamikakushi
(Hayao Miyazaki) El viaje de Chihiro supuso el reconocimiento y aceptación, un poco tardío, por parte de occidente del extenso trabajo de Miyazaki en el cine, no sólo de animación. En marzo de este año recibía el oscar a la mejor película de animación. En diciembre del año pasado Hayao Miyazaki obtenía 3 diferentes premios sólo en los Estados Unidos. El 16 de ese mes el círculo de críticos de cine de Nueva York (New York Film Critics Circle) le otorgaba el premio a la mejor animación del año y dos días antes la asociación de críticos de cine de Los Angeles (Los Angeles Film Critics Association) le obsequiaba con el mismo premio.


Por otro lado, el 4 de diciembre, el consejo nacional de crítica de películas de los Estados Unidos (U.S. National Board of Review of Motion Pictures), la galardonó con el premio a la mejor película de animación del 2002. Pero el momento más dulce llegó un poco antes cuando en febrero del 2002 Miyazaki consiguió el galardón más importante de su carrera: el oso de oro a la mejor película en el festival de cine de Berlín. Este galardón es de enorme relevancia ya que no sólo ponía a Miyazaki entre los mejores directores del mundo sino que El viaje de Chihiro se convertía en la primera película animada en recibir el premio principial de uno de los tres grandes festivales europeos (Venecia, Cannes y Berlin).

Aunque para muchos críticos, dada su reticencia a visionar películas animadas, El viaje de Chihiro supuso su introducción al mundo de Miyazaki, el público español ya pudo saborear algunos ejemplos de su trabajo pre-Ghibli en la forma de Heidi, Marco o Sherlock Holmes, donde colaboró en diversas secciones en las dos primeras y dirigió la última. Hayao Miyazaki tiene previsto estrenar una nueva película para el verano del 2004. La producción comenzará el 1 de febrero del 2004. Esta nueva película, que llevará el título en japonés de Hauru no Ugoku Shiro, está basada en una novela de la escritora británica Diana Wynne Jones titulada Howl's Moving Castle. La historia transcurre en un mundo de ciencia y brujería, describiendo el romance entre un hechicero, Howl, y una chica de 18 años, Sophie, quien ha sido transformada en una anciana de 90 años en la víspera de una guerra. Miyazaki, quien inicialmente sólo planeaba participar en el proyecto, se ha decidido a dirigirlo oficialmente.

Otro director independiente que merece un pequeño análisis es Takeshi Kitano. Takeshi fue, y hasta cierto punto todavía siendo, la personalidad más importante de la televisión japonesa de la década de los noventa apareciendo en programas de enorme popularidad como Takeshi The Genius' Happy TV Show o Takeshi Comedy Ultra Quiz. Entre 1990 y 1995 fue elegido por Spy! Magazine como el hombre más admirado de Japón. Takeshi Kitano es todo un fenómeno. Durante una temporada aparecía hasta en 8 programas semanales. A su trabajo televisivo tenemos que añadir sus colaboraciones en columnas de periódicos y su carrera como novelista, pintor, actor, productor y director. Takeshi Kitano primero saltó a la fama por su papel del sargento Hara en Merry Christmas Mr Lawrence (Nagisa Oshima, 1983). Su carrera de realizador comenzó con Violent Cop (1989) después de que Kinji Fukasaku resignara en la dirección del proyecto. Violent Cop se convirtió en una película de culto entre ciertos sectores del público occidental y Takeshi Kitano fue promocionado como el Clint Eastwood (en su papel de Harry el sucio) del Japón. Con Boiling Point y en especial Sonatine Kitano se hizo un hueco en el circuíto de festivales de cine occidentales. Su gran momento y el comienzo del renacimiento del cine japonés llegó con el Léon de Oro que consiguió en Venecia por su Hana-bi. Con estos tres trabajos y Brother Kitano revitalizó un género que parecía haber muerto a principios de los ochenta: el yakuza-eiga.

Por otro lado parece que Kitano se encuentra una vez más tratando de dar otro cambio de imagen en su carrera cinematográfica. De esta manera sus últimos trabajos se inspiran en el cine y arte japoneses más clásicos. No obstante, incluso en las películas ya mencionadas Kitano nos presenta con un estilo que recuerda un poco al cine de Ozu, a quien admira enormemente. Este estilo se caracteriza por el peculiar tempo que Kitano le imprime a escenas de violencia donde inserta unas pausas inesperadas entre tiroteos o apuñalamientos. Estas pausas se podrían comparar a las realizadas por Ozu, denominadas "ma", durante el diálogo de sus personajes. Este interés por el pasado cultural japonés se hace más evidente en Dolls en donde mezcla pintura y teatro de marionetas (bunraku), inspirada en una obra para bunraku del Shakespeare japonés, Chikamatsu Monzaemon, y donde ilustra, entre otras temas, el paso de las estaciones, un motivo muy recurrente en poesía y pintura. Sus referencias al cine japonés del pasado se han renforzado con su último trabajo y primer jidai-geki, Zatoichi, adaptación de las series de televisión del mismo título (26 entregas entre 1962 y 1989), protagonizadas por Shintaro Katsu. Zatoichi recibió el Léon de plata al mejor director del festival de Venecia de este año.

Shochiku produjo sus primeras películas pero después de una pelea con Kazuyoshi Okuyama, productor de Sonatine, tras haber visto un avance de la misma, Takeshi Kitano decidió montar su propia compañía productora/distribuidora a la que llamó Office Kitano. Ésta también produce trabajos de otros directores que habían colaborado en algunas películas de Kitano. También es verdad que estas producciones sirvieron para promocionar aun más la figura de Kitano. Algunos nombres son Tenma Toshihiro (Kyoso tanjo, 1994), basada en un novela del propio Kitano, Shimizu Hiroshi (Ikinai [1999] y Chicken Heart [2002]) o Makoto Shinozaki (Jam Session - Kikujiro no natsu koshiki kaizokuban [2000], documental sobre el rodaje de Kikujiru, y Asakusa Kid [2002], basada en la autobiografía de Kitano).

Takeshi Kitano como es conocido en occidente (en Japón se le conoce como Beat Takeshi o Take-chan y hasta hace poco el público japonés lo asociaba más con su faceta de comediante) ha sido uno de los mayores logros del cine japonés de los últimos años en cuanto a nivel artístico. Tras el éxito de Hana-bi la audiencia española quedó asombrada al descubrir que este mismo director había sido el presentador del programa Humor Amarillo transmitido por TeleCinco a mediados de los noventa. Su siguiente proyecto, Brother, no tuvo el mismo éxito de crítica y público. Dolls fue recibido de forma mixta en occidente mientras que en Japón se ha convertido en su película más taquillera a la espera de lo que haga Zatoichi, la cual entró con mucha fuerza en los primeros puestos de la taquilla local. A Kitano le ha costado enormemente convencer al público japonés de su carrera como director, todos sus trabajos hasta Brother pasaron casi desparcibidos por los cines locales pero a partir de Dolls, película en la que curiosamente no aparece, la audiencia local está comenzando a descubrir una nueva faceta del mago de la televisión moderna japonesa.

Tercero y último de los directores independientes aquí analizados es Shinya Tsukamoto. Las películas de Tsukamoto no han conseguido el éxito financiero de Miyazaki o el prestigio internacional de Kitano. Sin embargo, y desde su primer trabajo Tetsuo: The Iron Man, Tsukamoto se ha convertido en un director de culto en Japón y en el extranjero y se ha hecho con un fiel grupo de seguidores en ambos hemisferios. Como ya hemos comentado con anterioridad los trabajos de muchos directores independientes, a pesar de sus logros en competiciones internacionales y su seguimiento por parte de una audiencia occidental aficionada a películas de arte y ensayo, son generalmente ignorados por el público japonés o, mejor dicho, no encuentran el apoyo necesario por parte de las distribuidoras. Si bien muchos japoneses serian incapaces de identificar el nombre del director, sus Tetsuo I y II son de sobra conocido por un amplio número de jóvenes.


Snake of June
(Shinya Tsukamoto) Se podría decir que uno de los motivos del origen del culto en Japón de Tesuo y Tetsuo II sea por que éstas se inspiran enormemente en el manga. Las obsesiones de Tsukamoto con las mutaciones del cuerpo humano y la fusión entre máquina y hombre son temas muy predominantes en mangas del llamado género cyberpunk. El mismo Tsukamoto ha reconocido la enorme influencia del clásico anime cyberpunk Akira (la publición del cómic empezó en 1982 y la película animada fue estrenada en 1988) de Katsuhiro Otomo. A Tsukamoto se le podría describir como el más independiente de todos los directores independientes discutidos en este artículo. Con la excepción de Hiruko - Yokai Hantaa (Hiruko the Goblin, 1991, producida por Shochiku) y Soseiji (Gemini, 1999, producida por Sedic International), Tsukamoto ha producido todas sus películas a través de su propia compañía Kaiju Theater. No sólo eso, Tsukamoto dirige, protagoniza, ilumina y monta todas sus películas. Como en su último trabajo, Snake of June, Tsukamoto toma control completo de su material.


Como hemos señalado, el público japonés apenas presta atención al trabajo de directores independientes. Aunque sea casi imposible adivinar si una película se convertirá en un éxito de taquilla o no todavía se pueden distinguir varios factores que ayudarían a éstas a alcanzar los objetivos deseados por los productores. El factor común de muchas de las películas más taquilleras de los últimos años es que sus historias raramente se basan en un guión original. Los anime o películas animadas tienden a ser las películas japonesas de más éxito en la taquilla local. El ejemplo más obvio es el de Hayao Miyazaki, quien normalmente escribe sus propios guiones, pero generalmente se tratan de largometrajes inspirados en mangas o series de televisión como Doraemon, Pokemon, Detective Conan o Crayon Shinchan entre otras muchas. Otra buena receta para recaudar un buen dineral en la taquilla es producir películas basadas en series de televisión populares como el caso de Bayside Shakedown de Katsuyuki Motohiro cuya segunda parte se ha convertido en la sexta película más taquillera del cine japonés, Sky High de Ryuhei Kitamura, Leave It to the Nurses de Kazuyuki Morosawa o Trick de Yukihiko Tsutsumi. Por supuesto películas no-anime basadas en mangas también ofrecen una garantía de éxito, como ha sido el caso de Satorare de Katsuyuki Motohiro (manga de Makoto Sato), Dragon Head de Joji Iida, director de Rasen (manga de Minetaro Mochizuki), Azumi de Ryuhei Kitamura(manga de Yu Koyama), Ping Pong de Sori Fumihiko (de un manga de Taiyo Matsumoto) o las series de Tsuri-baka Nisshi del manga de Juzo Yamasaki y Kenichi Kitami.


Onmyoji
(Yojiro Takita) Así como películas basadas en betsellers tales Battle Royale de Kinji Fukasaku (basada en un betseller de Koushun Takami), Whiteout de Setsuro Wakamatsu (novela de Shimpo Yuichi), Onmyoji de Yojiro Takita (novela de Baku Yumemakura y cuya secuela ya se ha estrenado en Japón colocándose en el primer puesto de la taquilla), Go de Isao Yukisada (novela de Kaneshiro Kazuki) y por supuesto Ring de Hideo Nakata basada en una novela de Koji Suzuki.


Sin embargo, en los últimos años tres películas japonesas han creado una especie de boom en occidente de cine popular japonés. Por supuesto, el cine independiente japonés sigue siendo el preferido para su distribución y exhibición en salas de cine occidentales pero poco a poco se ha ido intensificando el número de películas de temática más popular o de género en estas mismas salas e incluso han hecho su aparición en el circuito internacional de festivales de cine (un ejemplo reciente ha sido Gozu de Miike Takashi presentada en el festival de Cannes de este año). Igualmente, es difícil no encontrar alguna película japonesa o asiática en recientes festivales de cine fantástico o de terror. En definitiva, las tres películas de las que hablaba y que han provocado este interés por el cine japonés menos intelectual han sido Ring, Battle Royale y Audition. Las dos primeras habían conseguido un éxito enorme de taquilla en Japón. Curiosamente Ring se convirtió en la película más taquillera del ICA de Londres, un cine más asociado con exhibiciones de arte contemporáneo y proyecciones de películas de arte y ensayo o experimentales. Además, estas tres películas han sido estrenadas en video y dvd en casi todos los países de la europa occidental.


Ring 2
(Hideo Nakata) En su país de origen, Ring ha provocado una auténtica renovación del cine de terror que incluso ha afectado a sus países vecinos como Corea del Sur o Hong-Kong. El impacto que Ring ha tenido en el cine japonés contemporáneo has sido impresionante. Ring, que comenzó como una serie de televisión (Ring: Kanzeban, 1995), hasta el momento ha inspirado a cuatro películas (Ring [1998], Rasen [1998], Ring 2 [1999] y Ring 0 [2000]) más una versión surcoreana (Ring Virus, 1999) y americana (The Ring, 2002) así como más series de televisión (Ring: Saishuu-shou [1999] o Rasen: The Series [1999]).


Otro pequeño ejemplo es Tomie (1999). Tomie, de un manga de Junji Ito (otros dos de sus mangas, Uzumaki y Kakashi, también ha sido llevados a la pantalla grande) ya tiene cuatro secuelas Tomie: Another Face (1999), Tomie: Replay (2000), Tomie: Rebirth (2001), y Tomie: Forbidden Fruit (2002). Lo dejamos aquí ya que la avalancha de filmes de terror ha sido enorme. Si el tiempo lo permite en el futuro le dedicaré un artículo sobre este tema. Este boom de cine de terror japonés también se ha dejado notar en occidente, a la versión americana de Ring le podemos añadir su secuela, que ya se encuentra en producción, así como el remake de Ju-on y Dark Water cuyas producciones darán comienzo muy pronto.

Incluso festivales tales como el de Londres en los últimos años han ofrecido películas como Ichi the Killer o la trilogía Dead or Alive y este año ofrecerá Battle Royale II, Zatoichi y The Cat Returns, una película animada del estudio Ghibli dirigida por Hiroyuki Morita, una especie de secuela de Whispers of the Heart. El festival Raindance (24/10-11/11) de Londres de este año ofrece nueve películas japonesas en su programa así como una retrospectiva de Koji Yamamura, ganador del oscar al mejor corto animado por su Mt. Head. Y no nos olvidemos del festival de Sitges, el cual ya ha confirmado la presencia de Miike Takashi como invitado de honor, organizará una retrospectiva de cine japonés contemporáneo y contará con filmes como Gozu, Zatoichi o Aragami de Ryuhei Kitamura. Mientras que el Zatoichi de Takeshi se une a otros ejemplos del género jidai-geki (drama histórico) como When the Last Sword is Drawn (Mibugishiden, 2003) de Yojiro Takita, Samurai Twilight (Tasogare Seibei, 2002) de Yoji Yamada, Vengeance for Sale o Vengeance Is Such a Great Business (Sukedachiya Sukeroku, 2001) de Kihachi Okamoto, Dora Heita (2000) de Kon Ichikawa y Owl's Castle (Fukuro no shiro, 1999) de Masahiro Shinoda; Ryuhei Kitamura, junto con Hiroyuki Nakano (Samurai Fiction [1998] y Red Shadow [2001]) y Shinsuke Sato (Princess Blade [Shurayuki-Hime, 2001, que no es otra que una adaptación de la clásica serie del mismo título, conocida en occidente como Lady Snowblood [1973] protagonizada por Meiko Kaji, en la que se basa el personaje de Lucy Liu en Kill Bill, y escrita por Kazuo Koike [Crying Freeman y Lone Wolf and his Cub]) han revitalizado de alguna manera el subgénero chambara con una estética de video-clip. Los films americanos The Last Samurai y Kill Bill no han hecho mas que confirmar este renovado interés por el cine de samurais. Quizás, después de todo, el cine japonés esté experimentando un renacimiento.

Fuentes
Miyao, Daisuke Japanese Cinema: A Renaissance?
Nishimura, Kunio The Rediscovered World of Japanese Cinema
Schilling, Mark Japanese Films in the New Millennium
Schilling, Mark, (2000) Contemporary Japanese Film, WeatherHill Publications.
Schilling, Mark 4th Far East Film Festival: Japan
Schilling, Mark 5th Far East Film Festival: Japan
Stephens, Chuck (2002) New Japanese Cinema, Film Comment, Volume 38, Part 1, p.35-47

Sobre Takenori Sento
http://www.filmfestivals.com/berlin_2000/interviews/interview_takenori.htm
http://www.asianfilms.org/japan/eureka/director.html
http://www.nikkei.co.jp/pub/newbooks00-11/19029/19029.html
http://www.sankei.co.jp/mov/db/98d/1222backup.html


Sobre Takeshi Kitano

Server, Lee (1999) Asian Pop Cinema: Bombay to Tokyo, Chronicle Books, p.80
Yang, Jeff, Gang, Gina, Hong, Terry (1997) Eastern Standard Time : A Guide to Asian Influence on American Culture from Astro Boy to Zen Buddhism, Marriner books, p.92
http://www.macalester.edu/courses/japa50/Kitanoweb

Sobre Shinya Tsukamato

http://web.tiscali.it/no-redirect-tiscali/japop90/archivio/intervista_tsukamoto.htm

Sobre Masahiro Shinoda

http://www.japantimes.com/cgi-bin/getarticle.pl5?ff20030618a2.htm

Sobre Kaneto Shindo

http://www.if.com.au/events/2003/09/30.html

Sobre Kon Ichikawa

http://www.sokagakkai.info/html3/news3/headlines3/01cal3/01oct07-13_3.html




Dark Water

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Título original:
Honogurai Mizu no Soko Kara
Año:
(2002)
Director
Hideo Nakata
Intérpretes
Hitomi Kuroki
Rio Kanno
Mirei Oguchi
Asami Mizukawa



Yoshimi Matsubara (Hitomi Kuroki) se encuentra en el medio de una lucha legal con su ex-marido por la custodia de su hija Ikuko (Rio Kanno). El pleito se complica para Yoshimi cuando los asesores de familia descubren que su pasado estuvo plagado con problemas mentales después de haber sido abandonada por su madre. Madre e hija se mudan a un piso destartalado y húmedo. Justo después de haberse instalado, Yoshimi descubre una gotera en el techo. Al mismo tiempo que la humedad, poco a poco, se va extendiendo por la superficie del techo, Yoshimi empieza a tener experiencias muy extrañas. Una bolsa roja de colegio reaparece en diferentes sitios, aún cuando la había echado a la basura un par de veces. Una niña, vistiendo un chubasquero amarillo, se le aparece en varias ocasiones y también comienza a oír pasos en el piso de arriba. El encargado del edificio no es de mucha ayuda. Yoshimi sospecha que su ex-marido esté detrás de todos estos sucesos para quedarse con la niña. Ésta desaparece en varias ocasiones. Los problemas se acumulan ya que Yoshimi tiene que buscar trabajo y no consigue re***** a Ikuko a la salida del colegio.


La gotera del apartamento se hace cada vez más grande y afuera no para de llover. En la escuela, el profesor de Ikuko le cuenta a Yoshimi de la desaparición de una niña de la misma edad que su hija. ¿Cual es la conexión entre esta desaparición y la niña del chubasquero amarillo o las pisadas provenientes del piso de arriba?; ¿Podrá Yoshimi mantener la custodia de su hija aún cuando su estado mental parece estar empeorando?.

Dark Water está basada en una novela del llamado Stephen King japonés, Koji Suzuki, creador de la trilogía Ring (Ringu, Rasen y Loop) y dirigida por el creador de Ring y Ring 2. Como habría de esperar, las conexiones entre Dark Water y las dos partes de Ring son obvias. De hecho, con Dark Water nos encontramos en un territorio conocido. En cuanto a los elementos visuales e iconográficos, tenemos niñas con el pelo cubriéndole la cara y apareciendo de detrás de puertas, acechando a los personajes principales; un tanque de agua que se parece mucho al pozo de en Ring; tomas que nos muestran edificios modernos silenciosos, desiertos, oscuros y su falta de calor. Con referencia a lo temático, en las películas de Hideo Nakata, nos encontramos con madres tratando de proteger a sus hijos/as de peligros paranormales y, al mismo tiempo, haciendo frente a las presiones de la sociedad moderna.

Pero vayamos por partes. Primero decir que Dark Water es una película que merece la pena ver. Logra entretener y hasta cierto punto inquietar. No obstante, como sus vínculos con Ring 1/2 son tan obvios, al compararlas, Dark Water lleva las de perder. Dark Water consigue crear una atmósfera de desasosiego, pero no va más lejos en desarrollar el ambiente de terror que consigue crear, en ningún momento arranca desde este punto de partida. Uno de los motivos quizás sea su falta de shocks que caracterizan las demás partes de la trilogía Ring. La tensión que se crea en Ring, por ejemplo, tiene su culminación en la escena donde Sadako sale del televisor, y que, a pesar de los defectos de la película, la hace difícil de olvidar. Momentos como cuando vemos a Yoshimi en el ascensor, a través de la cámara de seguridad del edificio, no reparando en la niña que se encuentra justo detrás suya, son demasiado rutinarios. De hecho, ya nos hemos inmunizado contra monitores, cámaras de seguridad y televisores que parecen ver más que el ojo humano, gracias a las dos primeras partes de Ring. Las escenas donde las puertas del ascensor se abren en pisos desolados y tenebrosos, donde parece que la cuenta de luz nunca se ha pagado a buen efecto, te mantienen pegado al asiento y tienen su culminación en una escena que, desafortunadamente, es una copia de la famosa escena del torrente de sangre, emanando del ascensor en el hotel Overlook de la película de Stanley Kubrick, El Resplandor.

Quizás, el problema sea la imprecisa dirección que Dark Water toma. Hideo Nakata no se decide entre la historia de terror o el drama social, apuesta por los dos, y le sale un resultado irregular. Los temas sociales que sólo se aludían en la trilogía, se ponen muy de manifiesto en Dark Water. Dark Water se mueve en un territorio similar al explorado, con mucho mejor éxito por la película surcoreana Sorum (ésta evita el melodrama casi de telenovela del final de Dark Water, gracias a que mantiene una ambigüedad superior en la caracterización de los personajes principales), con la que guarda muchos parecidos tanto visuales como temáticos. Un claro ejemplo de la vertiente social de Dark Water es la incapacidad, o mejor dicho, los problemas que las madres divorciadas tienen que enfrentarse para criar a sus hijos (la necesidad de encontrar un trabajo, el tiempo que éste les quita para dedicarse a cuidar a sus hijos, etc.). Nakata pone de relieve que la procedencia del terror emana de familias rotas, disfuncionales. Los padres son, a través de sus acciones, los creadores de este terror: un terror social. Nakata presenta la ruptura de la familia japonesa, algo que ya había hecho durante casi toda su carrera el director Yasujiro Ozu, bajo un formato de cine de fantasmas japonés clásico.

Nakata también parece estar subestimando la inteligencia de su audiencia por la insistente manera en que trata de mostrar la conexión entre el anuncio de una niña desaparecida, pegado en un poste de teléfonos, y los extraños sucesos que acontecen en el apartamento 403, situado justo encima del piso de la protagonista. Algo que sí me encantó fueron las soberbias tomas de la lluvia, me imagino que real, que cae a cántaros a lo largo de toda la película que ayudan a crear una atmósfera casi apocalíptica en la misma onda que Seven de David Fincher. No en vano Ring y Ring 2 abren con tomas del mar. Ya he comentado sobre las conexiones entre el pozo de Ring y el tanque de agua en Dark Water. En Ring 2 el agua es fundamental para absorber la energía negativa de Sadako. En esta misma película una piscina se transforma en una puerta al otro mundo. Dark Water utiliza una bañera.



Título original: "Ring 2"
Ringu 2
Año:
(1999)
Director
Hideo Nakata
Intérpretes
Miki Nakatani
Yuurei Yanagi
Katsumi Muramatsu
Hitomi Sato
Kyoko Fukada
Fumiyo Konihata
Nanako Matsushima
Hiroyuki Sanada
Kenjiro Ishimaru
Yoichi Numata


El cuerpo de una mujer sin vida ha sido encontrado en el pozo, el cual ha permanecido tapiado durante 30 años, pero su autopsia revela que pudiera haber muerto hace sólo un año. El detective Omuta (Kenjiro Ishimaru, quien lleva el caso llama al señor Yamamura (Yoichi Numata) para la identificación del cadáver de Sadako, hija de su sobrina Shizuko. Mientras tanto, Mai Takano (Miki Nakatani) se encuentra completamente devastada tras la misteriosa muerte de su profesor y amante Ryuji Takayama (Hiroyuki Sanada) . En busca de respuestas, se dirige a la compañía de televisión donde la ex-mujer de Ryuji, Reiko Asakawa (Nanako Matsushima), trabaja. Allí conoce a Okazaki (Yuurei Yanagi, protagonista en Boiling Point de Kitano Takeshi), quien le comunica que Reiko ha desaparecido junto con su hijo Yoichi (Katsumi Muramatsu). Okazaki decide continuar con el reportaje en el que estaba trabajando Reiko sobre una cierta cinta de video que cuando alguien la ve muere después de una semana. En el apartamento de esta última, Okazaki y Mai descubren una cinta medio quemada fundida en el suelo de la bañera, la cual provoca en Mai ciertas visiones desconcertantes. Justo en ese momento cogen una llamada de la policía, la cual les comunica que el padre de Reiko ha sido hallado muerto. Para conseguir más información hacen una visita a Masami (Hitomi Sato), amiga de Tomoko, sobrina de Reiko, y primera víctima de la maldición de la cinta, quien se encuentra internada en un hospital mental, incapaz de hablar y con un temor espantoso a los televisores. Kawajira (Fumiyo Konihata), médico de Masami, les informa que la maldición no es otra cosa que una forma de energía mental que se puede extraer del paciente.


Mai encuentra a Yoichi y a su madre. Este también es mudo y guarda rencor hacia su madre. Al mismo tiempo y continuando con su reportaje, Okazaki contacta con la colegiala Kanae (Kyoko Fukada), la cual dice tener una copia del video. Cuando se la va a pasar, Kanae revela a Okazaki que la ha visto y le pide que la prometa que la va a ver esa misma semana. En un experimento en el que se encuentran presentes Mai, Okazaki y el inspector Omuta, el doctor Kawajima pide a Masami concentrarse en una cámara de video para así grabar la transferencia de energía de ella a la cinta de video, pero en el televisor aparece las escenas del video maldito. Mai destroza el monitor y destruye la cinta. Okazaki no ha cumplido su promesa y Kanae muere. Tras esta noticia Mai decide comunicarle al inspector Omuta el paradero de Reiko y Yoichi. Estos son llevados a la comisaría pero logran escapar gracias a Yoichi, quien ahora tiene poderes sobrenaturales de la misma naturaleza que Sadako y la madre de ésta. En la fuga, Reiko muere atropellada por un camión. Mai junto con Yoichi deciden viajar al lugar de nacimiento de Sadako.

Ring 2 no fue la primera opción como secuela de Ring. Ese honor recayó en Rasen, la cual falló completamente en agradar a las audiencias asiáticas. Es bastante irónico que Rasen haya sido absolutamente olvidada y que Ring 2 vaya a pasar a la historia como la verdadera secuela de Ring. Lo primero que se preguntará todo el mundo es si Ring 2 se encuentra al nivel de su popular predecesora. Si queréis mi opinión, os diré que la primera vez que la vi, no me sorprendió mucho, de hecho casi me decepcionó. Sólo cuando la volví a ver por segunda vez fue cuando me di cuenta de las muchísimas cosas positivas que posee y que, en algunos aspectos incluso supera a Ring.

Desde la primera escena Hideo Nakata nos invita a más encuentros espeluznantes con la temida Sadako. El sonido chirriante de las ruedas de la camilla donde reposa el cadáver de Sadako que traen los médicos del depósito de cadáveres para su identificación, nos trae a la memoria las apariciones mortales de ésta en la primera parte. Sin ninguna duda es uno de los mejores comienzos que se podrían crear, por su inteligente y pertinente uso de este sonido. El resto de la película no decepciona tampoco, produciendo al menos cuatros escenas donde se te ponen los pelos de punta. A continuación comentaré dos de éstas. Para los que quieran mantener el misterio pulsar aquí.






La primera de mis escenas favoritas ocurre cuando Mai y Okazaki visitan a Masami en el hospital. Esta última tiene una fobia terrible a los televisores y se niega a abandonar su celda para salir al balcón ya que tiene que cruzar una sala donde hay un televisor. Una enfermera le propone usar una cortina con ruedas para que no lo vea al cruzar la sala. Una vez más, Nakata utiliza el motivo de la cortina para introducir el sonido chirriante que acompaña las apariciones de Sadako. Curiosamente la sombra de Masami, oculta detrás de la cortina, con la cabeza baja y caminando lentamente, se parece no a otra que a la misma Sadako. Esta toma sólo dura un par de segundos pero es suficiente para revelarnos que Sadako vive en el cuerpo de Masami. Esto se hace claro cuando Masami se enfrenta al televisor y produce, sin querer, las imágenes del pozo. Los pacientes que se encuentran en la habitación comienzan a gemir, gritar y a tirarse por el suelo ante esta imagen, en una escena bastante incómoda de ver. Mai agarra la mano alzada de Masami en busca de ayuda. El apretón de manos le hace visualizar el encuentro que Masami tuvo con Sadako en casa de su amiga Tomoko.

Mi segunda escena favorita acontece cuando Okazaki se encuentra editando la entrevista con Kanae. En ésta cuando Okazaki le pregunta a Kanae si ha visto la cinta de video famosa, Kanae lo niega completamente aterrada con un movimiento de la cabeza . Okazaki decide borrar esta última respuesta de Kanae pero no puede. La cinta empieza a rebobinar hacia delante y atrás sin ningún control. Los movimientos de la cabeza de Kanae se repiten y aceleran, su pelo revolotea frenéticamente, su cuerpo empieza a convulsionarse hasta que se para en seco. Kanae levanta la cabeza, entre el pelo que le cubre la cara, se puede entrever un ojo amenazador. Poco a poco Kanae se aproxima hacia un aterrorizado Okazaki.


final del comentario






Ring 2 se beneficia de una interpretación mucho más lograda que en la primera parte. Miki Nakatani es, en casi todo momento, muy convincente en su papel de una mujer angustiada por la pérdida de su amante pero que encuentra la fuerza necesaria en su nuevo rol de madre de Yoichi. Katsumi Muramatsu interpretando a Yoichi, también da una imagen muy convincente de un niño que sufre la pérdida de sus padres y abuelo. El éxito de estas interpretaciones, con unos registros emocionales más fuertes que los que pudimos ver en Ring se deben en parte al guión que combina elementos dramáticos con las convenciones del género de terror. Esta combinación se hace mucho más visible en la siguiente película de Hideo Nakata, Dark Water. Otro punto que une Ring 2 con Dark Water es el uso del agua como elemento canalizador de lo oculto. La relación entre Okazaki y Kanae añade más patetismo a la historia. La confianza y dependencia en alguien, la vida de Kanae está en las manos de Okazaki, es uno de los temas importantes en Ring 2. Si un personaje es traicionado por otro, ésto acarrea terribles consecuencias para el primero.

Por otro lado, la marginalización con la que se enfrentan las madres divorciadas en Japón se hace patente en los comentarios de Okazaki cuando le dice a Mai que a Reiko sólo le ofrecían los reportajes de noticias banales. Si los experimentos del profesor Kawajira aparecen, hasta cierto punto, cómicos, simplistas y debilitando el guión (al mismo tiempo que se mofa de Rasen), de la misma manera también ayudan a reforzar la vena humanista de Ring 2. Kawajira está obsesionado con deshacerse de Sadako, sin darse de cuenta de que, a través de su experimentos científicos, está poniendo en peligro las vidas, primero de Masami, y luego de Mai y Yoichi. La ira de Yoichi, la cual convoca a Sadako, se debe que su madre lo ha decepcionado. Mai ofrece el apoyo necesario para salvar a Yoichi de acabar como Sadako. Mai, como Ryuchi, posee poderes telepáticos, lo que la permite comunicarse con el mudo Yoichi, poniéndola en una posición más ventajosa que la misma madre. Tras la muerte de su madre Yoichi recobra la voz.

Si hubiera que poner alguna pega a Ring 2 quizá sea su final. Como en Ring se sitúa en el pozo. Nakata vuelve a ofrecernos unas imágenes espeluznantes de Sadako, esta vez escalando el pozo, en persecución de Mai y Yoichi. El problema es que la secuencia resulta demasiado corta. Peor todavía es que descubrimos la cara de Sadako, bueno simplemente la reconstrucción en arcilla de su cara hecha por los médicos del depósito de cadáveres, y para rematarlo Sadako HABLA. Como en Rasen y Ring 0, demasiadas concesiones sobre la personalidad y apariencia física de Sadako debilitan su mito y el resultado general de ambos filmes.



Título original:
"Ring 0: Birthday"


Ringu 0: Baasudei
Año:
(2000)
Director
Norio Tsuruta
Intérpretes
Yukie Nakama
Seiichi Tanabe
Kumiko Asou
Daisuke Ban
Yoshiko Tanaka
La historia de Ring 0 se traslada a los momentos anteriores de la muerte de Sadako y el comienzo de su maldicion, treinta años antes de que la historia de la cinta maldita empiece a circular. Miyaji, (interpretada por Yoshiko Tanaka, protagonista en la película de Imamura Black Rain) es una periodista rastreando el paradero de Sadako (Yukie Nakama). Sus motivos tienen que ver más con una venganza personal que con un reportaje periodístico. Sadako, ahora viviendo en Tokio trás la muerte de su madre, es miembra de un grupo de teatro donde no es muy bien recibida debido a su carácter reservado y la consideran como un bicho raro. El hecho de estos últimos comienzan a tener sueños similares (donde ven el famoso pozo) y la muerte, en muy extrañas circumstancias, de la artista principal en la obra de teatro que están ensayando, hacen a muchos desconfiar de Sadako. Las cosas empeoran para Sadako cuando ésta es elegida por el director como la nueva actriz principal. Rumores empiezan a correr de que el director se ha estado comportando de una manera muy rara desde que Sadako se unió al grupo. Toyama, el técnico de sonido, es el único que la apoya.


Ring 0 es la cuarta entrega y precuela de la serie cinematográfica japonesa de Ring. Fue estrenada junto con Isola (ninguna relación con la serie) de Toshiyuki Mizutani en las famosas dobles proyecciones de cine de terror organizadas por Toho por aquel entonces. Su historia está basada en la novela corta Lemonheart, la cual aparece en la novela de Koji Suzuki Birthday, cuarta y última entrega de la serie Ring.

Ring 0 nos muestra una imagen desmitificadora de Sadako, una Sadako que intenta llevar una vida normal pero que no es aceptada y que se siente marginada a causa de sus poderes paranormales. Drama toma las riendas en la primera parte de Ring 0 pero falla estrepitosamente por mantener un cierto interés. Primero, por que la historia del patito feo ya se ha contado en innumerables ocasiones ( Carrie de Brian de Palma es una clara influencia, de hecho hay una escena casi al final de Ring 0 que es una copia de esta película norteamericana). Como Rasen, Ring 0 intenta darle una nueva perspectiva al mito de Sadako. Rasen y Ring 0 tratan de ofrecernos una visión más humana de Sadako. Por otro lado, Ring y Ring 2 retratan una Sadako aterradora, vengativa. La transformación de Sadako en Ring 0 en un ser atormentado no es del todo una mala idea ya que rompe un poco con las expectativas creadas por Ring y Ring 2, pero sin embargo esta nueva dimensión del carácter de Sadako está muy lejos de obtener unos resultados aceptables.

Igualmente, en todo el ciclo de Ring, la interpretación de los actores deja bastante que desear, pero en Ring 0, la interpretación de Yukio Nakama en el papel de Sadako es lamentable. Esta encaja más con la de una protagonista de culebrones para quinceañeros. La actriz ha crecido en popularidad. Recientemente he visto varios episodios de la serie de Fuji TV Kao (rostro) en la Nakama interpreta a una detective marginada por sus compañeros de trabajo y con un pasado misterioso. No he podido evitar las comparaciones (las miradas melancólicas, la expresión de sufrimiento interno se repiten) de este personaje con el de Sadako, que como ya he dicho pertenece más al campo del drama televisivo. Sin embargo esta cualidad vulnerable de Sadako ya hecho que Yukio Nakama fuera nominada la actriz más popular de la serie Ring en una encuesta realizada a seguidores de la misma.

En Ring 0, Sadako es una persona con poderes sobrenaturales que no puede controlar lo cual aunque predecible encaja con el tono dramático al que se le quiere dar a la historia. No obstante, el argumento de la duplicidad de Sadako es de risa, o por lo menos como es expuesto por el padre de Sadako: una Sadako es buena, capaz de curar a enfermos y cerrar heridas, y otra mala, capaz de matar. Al final, gracias al odio del grupo teatral y la trampa creada por la periodista, la Sadako mala vence y monta el cisco. Lo que nos lleva al final de la película y su única, en realidad, aterradora escena, que de todas maneras es una variación de la escena en la que Sadako mata al profesor Takayama en Ring.

En Ring 0, el crujir de los huesos de Sadako cuando se aproxima a sus víctimas, en una especie de movimiento de breakdance, pone a uno la carne de gallina. Desafortunadamente, ésto no es suficiente para salvar la insípida historia que aconteció con anterioridad. Incluso la conexión entre la obra de teatro (la cual es una adaptación de la película de 1959 de Georges Franju Yeux Sans Visage (Ojos Sin Rostro), retitulada aquí como "Máscara") y la historia real en la película (el personaje en la obra muere ahogada pero renace, su cara tiene una cicatriz como Sadako tendrá al ser golpeada y empujada al fondo del pozo, el hecho de que el padre en la obra (como el padre de Sadako) sea doctor y admite que hubiera sido mejor que su hija tampoco hubiera nacido, etc, etc.) es un recurso muy trillado.

Aún así Ring 0, está bien filmada y tiene una fotografía interesante. De hecho utiliza los mismos tonos oscuros en interiores y, como con el resto de la trilogía, la iluminación es mantenida a un mínimo, los colores en general gastados, sin brillo, lo que le da una atmósfera fría e inquietante al tono de la película. Sólo sino fuera por el drama y la interpretación en general de los actores, Ring 0 no sería tan mala película y aunque tuvo un éxito considerable en la taquilla cuando fue estrenada en Japón, rebasando el billón de yenes, ha pasado totalmente desapercibida en occidente (aparte de por algunos fans acérrimos de la trilogía).




...Y MirandoInquisitivamenteAEseMonstruoLlamado Nietzche, Exclame:"¿QuéMeVesGüey,SoyOMeParezco?"